Self Portrait by Rembrandt van Rijn (circa 1640)
En contraste (literalmente y metafóricamente) character lighting se podría definir como la técnica de iluminación que intenta resaltar las características específicas de un sujeto, revelar detalles y expresar algunas de sus cualidades únicas a través de la iluminación.
Por ejemplo, un personaje falso o hipócrita, podría ser iluminado de tal modo que parte de su rostro esté siempre oculto en las sombras.
La cantidad de recursos simbólicos que pueden utilizarse en esta etapa, hace que sea un proceso mucho más creativo que simplemente la técnica beauty lighting de la que hablamos con anterioridad.
Es posible contar más cosas relacionadas con la historia del personaje que simplemente mostrarlo de forma bonita.
Si ponemos como ejemplo el retrato de Remrandt de arriba, y lo comparamos con el retrato de abajo, podemos observar muchas diferencias, y ambos retratos nos cuentas historias muy diferentes pese a ser ambas pinturas del mismo sujeto, Rembrandt.
Los cuadros tienen unos 20 años de diferencia, pero simplemente fijándonos en el estilo, la composición y la luz, podremos darnos cuenta de cuanto había cambiado la vida de Rembrandt.
En el retrato de abajo, Rembrandt estaba en bancarrota, forzado a vender su casa y pertenencias, había perdido a su mujer por culpa de la tuberculosis, etc.
En el retrato de arriba, era un artista de renombre, con éxito, alrededor de 1640.
La luz es suave, opulenta, define con detalle las vestiduras y tiene una pose intimidatoria, emulando el retrato de Tiziano de 1542.
En el retrato posterior, vemos a un Rembrandt indigente, desposeído, cuyas ropas apenas están definidas y se mantienen en penumbra, ya no son una representación de su estatus.
La pose y el encuadre son más introvertidos, es casi como que el marco domina al sujeto y la luz dura, de un solo foco lumínico, apunta directamente al rostro del artista, preocupado, abatido.
Podemos ver como la iluminación dicta lo que el autor quiere mostrar y lo que quiere ocultar, para guiar al espectador a través de la imagen. El estilo visual ayuda a la descripción narrativa.
Self Portrait by Rembrandt van Rijn (circa 1661)
Pablo Picasso by Irving Penn (1957)
El retrato de Picasso está iluminado siguiendo el típico método utilizado por Irving Penn, una fuente lumínica suave, generalmente una ventana cercana al sujeto.
El abrigo de Picasso es negro, y el sombrero de ala ancha contribuye a crear sombra en el lado derecho del sujeto, enmarcando el ojo izquierdo.
La utilización de objetos para crear zonas de penumbra, significa que incluso utilizando una fuente lumínica suave y dispersa, la imagen tendrá suficiente contraste, y por lo tanto, será atractiva visualmente.
Un rango amplio de tonos se puede apreciar en la imagen, y gracias al ángulo de la luz, detalles como arrugas en la piel, se pueden leer a la perfección.
Si comparamos esta imagen con la que vimos en el apartado de beauty lighting, podremos comprobar como la angulosidad de la luz es fundamental a la hora de capturar detalles de textura.
Marlon Brando in "The Godfather" by Gordon Willis (1972)
Marlon brando in "Apocalypse Now" by Vittorio Storaro (1979)
Esta dos imágenes de Marlon Brando, de sus dos películas más icónicas, demuestran como la iluminación puede describir el personaje y la narrativa.
En El Padrino, el cinematógrafo Gordon Willis iluminó a Brando desde arriba, con luz cenital. De este modo los ojos, y gran parte de su personalidad, están ocultos para los espectadores.
Su cara, se convierte casi en una calavera, o en una máscara, como corresponde al jefe de la mafia (estar tapado, oculto). Willis, quien siempre ha iluminado con predilección por la oscuridad, eligió en este caso resaltar de sobremanera la cabeza y la mano de Brando, dejando el fondo prácticamente negro, para centrarse únicamente en lo verdaderamente importante. Ningún detalle superfluo ha sido iluminado aquí.
El rol de Brando en Apocalypse Now es también un tanto misterioso. El Coronel Kurtz representa la falta de humanidad en la jungla, y el cinematógrafo Vittorio Storaro lo ilumina acorde con la situación.
La luz le viene de forma frontal, para irse difuminando a través de su rostro. Al final, su cabeza se mezcla con el fondo, hasta perderse en un solo componente.
En la técnica beauty lighting, se hubiese añadido una rim light, para separar el sujeto del fondo y definir su silueta, pero en este caso, la iluminación es un instrumento con más peso narrativo que estético.
Liv Ullmann and Bibi Andersson in "Persona" by Sven Nykvist (1966)
Hasta ahora, todos los ejemplos de character lighting que hemos visto, tienen mucho contraste, sombras muy marcadas, penumbra, etc.
El cinematógrafo Sven Nykvist iluminó la película Persona de Ingmar Bergman de una forma completamente diferente.
Utilizó un tipo de iluminación muy difuso y suave, permitiendo que el espectador lea las actuaciones faciales de las actrices Ullmann y Andersson.
Aquí la narrativa vuelve a ser protagonista, ya que que cuenta la idea de dos personas, ya sea reflejando dos mitades en una sola persona o mezclando personalidades. Esto obviamente requiere de un tipo de iluminación que ayude al espectador a leer las actuaciones de las actrices, por eso se eligió una luz global y difusa que permita ver las similitudes entre ambas.
Orson Welles and Charlton Heston in "Touch of Evil" by Russell Metty (1958)
Este fotograma de Touch of Evil, deja al espectador sin dudas de quien es el héroe y quien es el villano.
La iluminación en el Capitan Hank Quinlan (Orson Welles) deja la mitad de su cara en sombra, ocultando cosas. Por el contrario, el héroe de la película, Ramón Miguel Vargas (Charlton Heston) está iluminado de forma que su rostro se muestra por completo, tipo beauty lighting. Sus ojos son perfectamente visibles, al contrario que los de Welles.
Generalmente los villanos tienden a apartarse de la luz, a permanecer ocultos entre las sombras. Los héroes suelen estar más iluminados que los villanos, ya que por lo general, no necesitan ocultar nada.