Dramatic Lighting

"Dramatic Lighting" podría ser definido como un exagerado estilo de iluminación donde todo el frame se trata de la misma forma, con la misma importancia. Beauty lighting y Character lighting se enfocaban más en el personaje o en un elemento concreto del frame, Dramatic Lighting trata a todo el frame por igual, hace que todo lo que se muestra tenga el mismo nivel de interés hacia el espectador.

En la pintura de Caravaggio "Flagellation of Christ" todos los personajes y la columna donde Cristo está atado, tienen el mismo esquema de iluminación horizontal. Esto afecta a la percepción externa del cuadro, aplanando la imagen y consiguiendo que el espectador no dirija la mirada hacia un punto en concreto. Hay una sensación global de conflicto a través de toda la imagen. Tras una primera explosión visual, el espectador pasa a analizar el cuadro, explorando las diferentes partes y elementos del mismo.

El torso de Cristo, sin embargo, ha sido pintado con una pintura con propiedades más reflectantes que el resto de elementos del cuadro, así pues, cuando le da la luz real del entorno donde está situado el cuadro, la figura de Cristo resalta sobre las demás. Este es solo un ejemplo de una técnica que parece crear un tipo de iluminación completamente uniforme, pero qué mediante sutiles artimañas consigue realzar elegantemente algunos elementos del frame.

The Flagellation of Christ by Caravaggio (circa. 1607).

En este frame de "Bridge of Frankestein" la iluminación ha sido diseñada para desorientar y asustar al espectador. Estamos acostumbrados a ver los rostros de los personajes iluminados desde arriba. En exteriores, el cielo suele ser la mayor fuente lumínica, y en interiores, las luces suelen estar colocadas en el techo. Esto hace que nuestra percepción del rostro humano esté muy encasillada y asimilada en unas formas geométricas causadas por las luces y sombras cenitales.
Iluminando a los sujetos humanos desde abajo, o desde los laterales, John J. Mescall rompe las expectaciones y nos muestra una imagen impactante, rompedora y poco convencional. Sin duda, dudosamente placentera para el ojo humano, poco acostumbrado a este efecto lumínico.

Dwight Frye in "The Bride of Frankenstein" by John J. Mescall (1935).

Este es otro ejemplo más sutil de la misma idea. Trevor Howard está iluminado fuertemente de forma lateral mientras que Alida Valli está iluminada por encima de su hombro derecho. Este tipo de iluminación crea una superposición de sombras que ayuda a romper la composición del plano. Si Beauty Lighting se centra en crear un degradado de iluminación suave, sin bordes duros, Dramatic Lighting es simplemente lo opuesto. La iluminación es probablemente más creíble, no tan artificial como en "Bride of Frankestein" pero todavía hay una sensación de incomodidad palpable en la escena.

Trevor Howard and Alida Valli in "The Third Man" by Robert Krasker (1949).

Este plano de "Apocalypse Now" es un claro ejemplo de otro importante aspecto de Dramatic Lighting. Iluminación cinemática no consiste solo en aquello que está iluminado, si no en aquello que no lo está. La mujer en primer plano, también miembro del grupo del Coronel Kurtz, y considerada parte de la jungla, está iluminada tanto como lo estaba Marlon Brando en el anterior artículo. La diferencia en este caso, es la figura presente en el fondo, a quien apenas podemos ver. Hay suficiente luz como para poder apreciar que hay alguien ahí, y la iluminación es incluso más fuerte que la presente en la mujer del primer plano, pero gracias a la ausencia de luz de relleno, y al efecto de la profundidad de campo, apenas leemos al sujeto, lo que ayuda a crear un nivel de drama y tensión memorable.

"Apocalypse Now" by Vittorio Storaro (1979).

Darius Khondji utiliza la misma idea disruptiva de iluminación utilizada anteriormente en "Bride of Frankestein" para realzar al ya extravagante actor Daniel Emilfork. La iluminación dista mucho de ser natural y crea muchas áreas sobre-expuestas en contraste con negros casi puros.
Este rico contraste además se combina con la utilización de un gran angular para así distorsionar el rostro del actor. Por si no fuera poco, el cinematógrafo añade unas estridentes luces de relleno de color amarillo que ayudan a crear el ambiente buscado por el director. Todos los elementos visuales del plano, incluido por supuesto el vestuario del actor, han sido tratados con sumo cuidado para crear una visión poco placentera al espectador.

Comedy Lighting

Llamamos a este estilo "Comedy Lighting", aunque no se aplique exclusivamente a cintas cómicas. Básicamente este estilo de iluminación se caracteriza por iluminar por completo los rostros de los actores, sin crear ningún tipo de dramatismo o composición lumínica, simplemente iluminando en exceso.
Ya que gran parte de las actuaciones cómicas son transmitidas a través del rostro del actor y sus expresiones faciales, se cree que iluminando a estos en exceso, sin ningún tipo de zona obscura, ayudará a realzar la actuación del actor.
Todos estos ejemplos ocurren en cinematografía desde 1930 hasta nuestros días, y todos tienen los mismos principios en común: luz cenital ligeramente inclinada para iluminar el rostro de forma natural, sin bordes duros, sin sombras al lo largo del rostro y uniformidad en tono y rango a lo largo de la imagen.

The Marx Brothers in "A Night at the Opera" by Merritt B. Gerstad (1935).

Dick Powell and Bebe Daniels in "42nd Street" by Sol Polito (1933).

"Monsters Inc." by Sharon Calahan (2001).

A Woman Holding a Balance by Johannes Vermeer

Este es el primero de una serie de artículos que voy a escribir acerca de la iluminación.
Trataré los mismos desde un punto de vista teórico/práctico, acudiendo a la historia del arte y a la comunicación audiovisual como referentes, pero siempre extrapolando los conceptos y términos a las nuevas metodologías de iluminación digital aplicadas a proyectos de animación 3D y efectos visuales digitales.

Como nota, utilizaré algunos términos en inglés, de fácil comprensión, debido a que el inglés es la lengua predominante en las producciones cinematográficas internacionales, y a que en inglés están escritos la mayor parte de programas educativos sobre lenguaje cinematográfico y cinematografía.

Empecemos pues por la luz.

En cualquier medio artístico, la función de la luz es definir espacios tridimensionales en una superficie bidimensional. Por ejemplo, en una pintura, una fotografía o la pantalla de un cine.

A través de la luz, podemos describir la relación espacial entre objetos, definir los volúmenes internos de los mismos y determinar su tamaño relativo y profundidad.

Aparte del color (del que hablaré más adelante) la luz tiene tres propiedades básicas.

Dirección/disposición
Intensidad
Dureza/suavidad

Estas propiedades se combinan para crear el juego de luces y sombras que definirá la mayoría de nuestro estudio en esta sección.

A lo largo de la historia del arte, la representación de la figura humana, y del rostro humano en particular, siempre ha estado a la vanguardia de la creación artística. Probablemente porque el rostro humano es algo que identificamos emocionalmente a la perfección, con un solo golpe de vista.

Muchas técnicas han sido desarrolladas y perfeccionadas a lo largo de los siglos, cada una de ellas, provocando diferentes respuestas emocionales.
La mayoría de estas técnicas pueden ser también utilizadas para describir otras superficies, tales como paisajes o interiores. Por ejemplo, "horror lighting" en el rostro de un personaje, se consigue prácticamente del mismo modo que aplicando dicha técnica sobre un edificio.

Pese a que una superficie puede ser iluminada utilizando diferentes técnicas, hay unos estilos básicos definidos que se han utilizado a lo largo de los años, debido a su éxito en la transmisión de un significado específico.
Podríamos resumirlos en:

Beauty lighting
Character lighting
Dramatic lighting
Comedy lighting

Beauty lighting

Esta pintura, ejecutada en el apogeo del Renacimiento, demuestra las aptitudes técnicas y estéticas que los artistas habían alcanzado ya en el siglo XV.
La iluminación es naturalista y muy suave, la pintura se aplica muy finamente, capa tras capa para crear una impresión tridimensional, pero sin bordes duros o sombras muy marcadas.

Esta técnica de aplicar pintura por capas es conocida como "sfumato", de la palabra italiana "fumo".
Las formas y sombras son suaves, creando una belleza serena. La piel, limpia, sin imperfecciones, sin sombras duras bajo la nariz.
La piel casi parece que brilla y no hay prácticamente nada en penumbra.

La Mona Lisa, también de Leonardo, ejecutada mediante la técnica del sfumato.
De nuevo podemos ver todas las superficies de forma clara, sin detalles precisos o imperfecciones.

El principio central de este tipo de iluminación, es presentar una composición armoniosa, cambiando suavemente de valor, de forma gradual, sin elementos visuales discordantes.
Este look ha definido la idea pictórica de belleza en la cultura occidental, asociada a la juventud, ya que la piel siempre es suave y libre de imperfecciones.
Y también como ideal femenino de belleza, suavidad de formas y curvas por encima de bordes duros.

Esta técnica esta tan arraigada dentro de la creación pictórica, que en el momento en que los fotógrafos empezaron a realizar retratos femeninos, recurrieron sin dudarlo a estos principios renacentistas.

Los dos elementos principales en este estilo de iluminación son.

El posicionamiento de la "key light" (luz principal), arriba y a un lado del sujeto, y con intensidad muy alta, pero con la que se consiga un buen rango tonal.
Un buen nivel de "fill light" (luz de relleno) suave, para eliminar las sombras no deseadas y suavizar las formas.
Un añadido final es normalmente la incorporación de una "rim light" (luz de perfilado) colocada tras el sujeto, en el lado opuesto a la "key light". Esta luz generalmente solo apunta el sujeto en cuestión, creando una fina linea de luz, dibujando la silueta del sujeto. Si hay pelo o pelaje, se creará un halo de luz, como se puede observar en la imagen de Greta.

En este ejemplo en 3D podemos ver claramente la "key light", la "soft light" y la "rim light".
La "key light" es la luz principal que define la forma del objeto, la "fill light" rellena la zona que estaba en penumbra y la "rim light" dibuja la silueta de la esfera para separarla del fondo.

Si el fondo fuese brillante o blanco, podríamos prescindir de la "rim light", ya que seríamos capaces de identificar el volumen del objeto sin mayor dificultad.

En este ejemplo, la luz también ayuda a dirigir la mirada del espectador al foco de atención, la bola.
Hay un poco de luz bajo la ventana, en el fondo, que podría causar distracción en el espectador, pero tal y como esta iluminada la escena, pasa casi desapercibida al ojo humano, forzándonos a dirigir nuestra atención hacia la bola.

En este ejemplo la "key light" es más dura e intensa, con las sombras más definidas y marcadas.
La sombra bajo la nariz se aprecia de forma inmediata, dura y definida, pero el angulo de la luz ha sido tratado con mucho cuidado para que la sombra sea pequeña y discreta.

Este tipo de iluminación es mas dramático, también acorde con la fuerte personalidad que caracterizaba a Bacall. Aun así, este tipo de iluminación conserva un aire glamuroso evidente.

Podemos apreciar todo su rostro, incluso las zonas en sombra. La mezcla de maquillaje e iluminación le dan a la piel un aspecto de porcelana, realzando los pómulos. El ángulo de la luz y la disposición de las sombras, enmarcan el rostro de Bacall y guían la vista del espectador.

Ya que el fondo es brillante, se ha prescindido de la "rim light", que además en este caso, habría sido contraproducente, ya que hubiese desviado la atención del espectador hacia otro foco de atención no deseado.

La iluminacion dramática en el retrato de Bacall, nos muestra un mayor contraste, áreas fuertemente iluminadas contra áreas oscuras, bordes duros, sombras muy definidas, etc. Combinados para conseguir una imagen más impactante, con más fuerza visual.

También nos muestra como la iluminación puede añadir información sobre un personaje. El carácter de Bacall es más fuerte que el de Garbo y eso también queda patente en sus retratos, a través de la eleccion lumínica por parte del fotógrafo.

Mediante estos dos ejemplos podemos ver como la fotografía de retrato, por ejemplo para campañas de moda, puede decirnos mucho más de los modelos que simplemente mostrarnos que son fotogénicos. En esencia, puede darnos información de quienes son y contarnos de forma condensada parte de su historia.

Eso es precisamente lo que llamamos iluminación centrada en personajes, o "character lighting", de la que hablaré en la próxima entrada.

Dramatic Lighting & Comedy Lighting

La luz