Tendemos a generar movimientos de cámara ficticios para nuestros shots estáticos, bien sea utilizando camera shakes u otros nodos procedurales. Puede que no sea una mala idea para algunas situaciones, pero siempre conseguiremos resultados más realistas utilizando movimiento de cámara real, no procedural.

En Nuke, existe una forma muy sencilla de "robar" el movimiento de cámara de cualquier plano y añadirlo a un plano estático, para crear un movimiento de cámara fluido, orgánico y natural. En este video te explico como hacerlo.

Los suscriptores de elephant vfx pro, podéis descargaros el footage de ejemplo para practicar.

Nota: Este post incluye contenido exclusivo para los suscriptores de elephant vfx pro. (enlaces al final del post).

Hoy en dia tenemos la suerte de poder aplicar los mismos principios fotográficos y cinematográficos a nuestro trabajo como iluminadores en VFX/CG/. Por ello, constantemente hablamos sobre cinematografía, lenguaje cinematográfico y comunicación audiovisual. Hoy, vamos a hablar de algunos tópicos comunes en iluminación cinematográfica: hard light, soft light, specular light y diffuse light.

La diferencia entre hard light (luz dura) y soft light (luz suave) no radica en la luz, si no en la sombra. Cuando la sombra está perfectamente definida y opaca, hablamos de hard light. Cuando por el contrario, la sombra está difuminada, nos referimos al tipo de luz soft light. Cuanta más suavidad en la luz, más difuminadas y consecuentemente menos opacas serán las sombras.

¿Hay algún tipo de luz concreta que proporcione hard light o soft light? No. Cualquier luz puede ser hard o soft en función de dos factores.

  1. Tamaño: No sólo hay que tener en cuenta el tamaño de la fuente lumínica en si, si no la relación de tamaño entre la fuente lumínica y el sujeto a iluminar.
  2. Distancia: En relación a la posición de la fuente lumínica y el sujeto a ser iluminado.

Las ondas electromagnéticas (como la luz) se curvan con respecto a los objetos donde impactan. En el ejemplo de abajo, cuando la luz impacta en la pared, refleja y pasa recto, después se curva hacia el interior (esto es lo que se denomina difraction).

Cuando un beam (rayo) de luz impacta en un objeto, si el tamaño de la fuente lumínica es muy similar al tamaño del sujeto iluminado, los rayos pasan de forma paralela y se curvan ligeramente hacia el interior.

Si el tamaño de la fuente lumínica es más pequeño que el sujeto iluminado o está alejado del mismo, los rayos de luz apenas se curvarán, creando sombras duras y bien definidas.

Si la fuente lumínica es más grande que el sujeto iluminado y está situado cerca del mismo, los rayos de luz se curvan considerablemente, produciendo sombras suaves y poco definidas.

Si la fuente lumínica es mucho más grande que el sujeto iluminado y cercana al mismo, los rayos de luz se curvan tanto que llegan a juntarse y prácticamente las sombras no dibujarán la silueta del sujeto iluminado, siendo incapaces de identificar su forma o silueta.

  • Si una fuente de luz muy grande se posiciona a mucha distancia del sujeto iluminado, su tamaño se verá alterado de forma relativa con respecto al sujeto, convirtiéndola consecuentemente en una fuente de luz pequeña, perdiendo asi su capacidad de generar sombras suaves. El ejemplo más claro es el sol. Es mucho más grande que la tierra, pero al estar a millones de kilómetros, se convierte en una fuente de luz muy pequeña, creando sombras duras. Cuando está nublado, la luz se filtra entre las nubes convirtiéndola otra vez en una fuente de luz grande, y por ello, generadora de sombras suaves.


Para resumir en dos lineas:

  • Soft light = fuentes lumínicas grandes y/o cercanas al sujeto
  • Hard light = fuentes lumínicas pequeñas y/o alejadas del sujeto

Specular light: Fuente lumínica con mucha potencia en el centro que poco a poco se degrada hacia el exterior. Como una linterna tradicional. Genera zonas muy expuestas y brillantes en el sujeto iluminado. Por ejemplo la típica luz de entrevista en un estadio de futbol o en un photocall.

Diffuse light: Fuente lumínica con la misma potencia distribuida sobre todo el área, tiende a iluminar al sujeto de forma compensada.

No confundir diffuse light con soft light. Siempre que hablamos de soft light nos referimos a sombras desenfocadas y suaves. Siempre que hablamos de diffuse light nos referimos a la distribución de la propia luz, en este caso, distribuida con equidad a lo largo de la superficie.

A continuación algunos ejemplos en 3D.

  • En este ejemplo tenemos un personaje iluminado con una fuente lumínica pequeña, más pequeña que el propio sujeto, y situada de forma alejada con respecto al mismo. Resultado, hard light, sombras duras.
  • En este ejemplo tenemos una fuente lumínica de tamaño considerable, similar al sujeto iluminado y colocada cerca del mismo. Como resultado, obtenemos soft light, sombras suaves.
  • En este ejemplo tenemos una fuente luminica muy grande y colocada cerca del sujeto, como resultado produce extra soft light, y las sombras pierden completamente su dibujo, siendo extremadamente suaves.
  • En la siguiente imagen, el sujeto está iluminado por el sol, que pese a ser una fuente lumínica gigantesca, su posición relativa con el sujeto la convierte en diminuta, produciendo asi hard light, sombras duras.
  • Finalmente tenemos otro ejemplo de hard light, en este caso creado por un flash que no deja de ser otro tipo de luz muy potente y concentrada, cercana al sujeto fotografiado. Este efecto puede conseguirse en 3D reduciendo considerablemente el valor spread de las luces.
  • A continuación ejemplos de specular light y diffuse light. (respectivamente).

Los suscriptores de elephant vfx pro podéis desde aquí acceder a un video donde expandimos estos tópicos.

El otro día me topé con este artículo firmado por Ian Failes, quien seguramente sea uno de los pocos (muy pocos) escritores y periodistas con la suficiente preparación, conocimiento y sobre todo, contactos en la industria, para poder publicar sobre temas referentes a los efectos visuales con cierto rigor y objetividad, y a quien respeto por su dedicación, constancia y humildad. Desde hace algún tiempo, Ian ya no trabaja para Fxguide, ahora se gana la vida como freelance escribiendo para diferentes sitios especializados, y también acercándose a los mass media para contar historias referentes a la industria a la que nos dedicamos.

No he podido resistirme a comentar algunos de los puntos, que también son parte de conversaciones recurrentes entre colegas de profesión.

VFX Prediction #1: We’re headed for a big VFX Oscar upset (again)

El punto número 1 dice que parece que vamos directos a otra desilusión en los Oscars de Visual Effects, como ocurriese el año pasado con Ex Machina.
El escritor prevee una situación similar este año, donde Arrival es un serio candidato a ganar la estatuilla, enfrentándose a cintas con heavy visual effects como Star Wars, The Jungle Book o Doctor Strange. Si Arrival finalmente ganase el Oscar, sería según la predicción del artículo, motivo de enfado o decepción.

No podría estar en mayor desacuerdo con lo escrito por Ian. Del mismo modo que pensaba que Ex Machina debía ganar el año pasado, pienso que Arrival debería ganar este año. Para ser del todo sincero, no he visto Star Wars, y juzgo sus visual effects por lo visto en entregas anteriores y por el estilo de ILM. Lo único que le daría un plus añadido a Star Wars, es la creación del doble digital de Peter Cushing, que parece haber superado el mejor doble digital realizado hasta la fecha (Benjamin Button).

Otra película digna de mención es The Jungle Book, la cual considero tiene unos efectos visuales impecables en muchos planos, que por razones obvias (cantidad/presupuesto) no mantienen el nivel en toda la película, pero que por desgracia, como he comentado en anteriores ocasiones, este show es para mi, el claro ejemplo de la mala utilización de los visual effects. (podemos entrar en detalle sobre esto en otra ocasión).

Arrival, es por el contrario, el ejemplo perfecto (al igual que lo era Ex Machina) de visual effects concebidos y ejecutados de forma magistral, y que además, y más importante todavía, son lo que necesita la narrativa, y los VFX siempre han de estar al servicio de la historia, si no, las películas se transforman en demo reels de 90 min.

VFX Prediction #2: Digital characters will get their moment in the spotlight

El punto número 2 dice que en 2017 los personajes digitales cobrarán mucha importancia, especialmente en títulos como Spiderman, Planet of the Apes, Guardians of the Galaxy, etc. pero sobretodo, en lo referente a humanos digitales, como el ya mencionado, el difunto Peter Cushing de Star Wars.

En este caso, estoy de acuerdo. Hay menos disaster movies (o eso creéis) en favor de character driven movies, es un hecho. Lo que me gustaría mencionar en este punto, es una tendencia actual (a raíz de Star Wars especialmente) donde la prensa "común" (no especializada en VFX) habla de si es lícito, legal y/o moral crear actores digitales que están muertos. Escritores y periodistas del mundo, no se están recreando actores, se están recreando personajes, que es muy distinto.

A nadie (espero) se le ocurriría recrear a Carrie Fisher (desgraciadamente fallecida hace poco) o a Mark Hamill (cuando este pase a mejor vida) para interpretar el papel principal (o secundario) de una nueva película. Los actores principales de Star Wars (incluido el no mencionado) no son precisamente Danny-Day Lewis o Meryl Streep. No se revive a los actores (que poco interesan, al menos estos en particular) si no a Leia y Luke (que si interesan).

Otra cosa sería revivir personalidades, como si ha ocurrido, como por ejemplo con el rapero 2Pac o con otras celebridades como Bruce Lee o Audrey Hepburn. En estos casos, poco que decir. Para eso se han inventado los derechos de imagen, para seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro. Díganselo a James Dean o Elvis, por ejemplo. Aun así, estos experimentos han sido notoriamente fallidos, al menos de cara a vender, que era su único propósito de concepción.

VFX Prediction #3: De-ageing will remain all the rage

El punto 3 dice que rejuvenecer actores/actrices seguirá en alza.
Poco mas que añadir. Esto pasa y pasará más a menudo, ya que algunas empresas como Lola Post han demostrado que hay un mercado por explorar y pocos (de momento) capaces de hacerlo bien.
Si a esto sumamos que algunos actores/actrices exigen por contrato que su apariencia en las películas sea una determinada, no me extrañaría que retocadores profesionales del mundo del modelaje tradicional se involucrasen en los VFX facilities, para retocar a los actores en función de factores totalmente ajenos a la narrativa.

VFX Prediction #4: Practical effects are back in fashion

El punto 4 dice que los practical effects vuelven a estar de moda.
No se muy bien como interpretar esto, ya que los practical effects nunca han pasado de moda. Lo que se puede hacer mejor, o más rápido, o con más iteraciones o simplemente más barato, se seguirá realizando de forma digital, como viene siendo. Lo que por otra parte necesite realizarse en el set, de forma física, se hará, como también se viene haciendo. Por eso no entiendo muy bien este punto.

Quizás este enfocado desde el punto de vista de la prensa (no especializada) que lleva tiempo culpando a los efectos digitales de la paupérrima calidad de algunas películas. Como por ejemplo la nueva Jurassic Park. Obviamente, la culpa no es de los visual effects, que son considerablemente superiores a la original (como no podría ser de otra forma), si no de una pobre escritura, una malísima interpretación, una dirección (como siempre) condicionada por cientos de factores externos, y un único afán de rescatar uno de los blockbusters más exitosos. Supongo que por ahí van los tiros.

VFX Prediction #5: VFX houses become full studios

El punto 5 dice que los VFX facilities se convertirán en full studios.
Sin duda. Como ya sabemos, los VFX facilities no ganan dinero. En todos los (grandes) proyectos, en el mejor de los casos, no pierden pasta. Solo hace falta ver los números de los últimos años de los big facilities, pérdida y acumulación de de duda. Por eso los chinos, indios, y demás fortunas están comprando prácticamente todos los VFX facilities por menos dinero de lo que cuesta producir una sola de las películas en las que trabajan. En ocasiones anteriores ya hemos hablado del caso "Gravity" representando para mi, el pináculo de esta situación.

Una solución parece convertirse en full studios, no sólo en una empresa de servicios, y producir así sus propios shows, como los hacen los productores de cine de animación, que estos si ganan dinero. Así estamos viendo a grandes nombres de los VFX produciendo cine de animación, experiencias de realidad virtual, películas independientes, etc.

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AuthorXuan Prada

Aprovechando que la semana pasada ha salido el bake off para los Oscars 2017 de Visual Effects, aprovechamos la ocasión para explicarte cual es el proceso para elegir a la cinta ganadora.

Las películas seleccionadas para el bake off son:

“Arrival”
“The BFG”
“Captain America: Civil War”
“Deepwater Horizon”
“Doctor Strange”
“Fantastic Beasts and Where to Find Them”
“The Jungle Book”
“Kubo and the Two Strings”
“Passengers”
“Rogue One: A Star Wars Story”

Tambien en Youtube.

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AuthorXuan Prada

Nota 1: En Europa tendemos a utilizar el término Director de fotografía o DP, mientras que en Estados Unidos es más común utilizar la palabra Cinematógrafo, para referirse al mismo profesional. Pese a que algunos, como Vittorio Storaro, consideren que el DP y el Cinematógrafo, son dos roles diferentes, parece existir un consenso global para referirse a este profesional utilizando ambos términos. En este artículo utilizaremos la palabra Cinematógrafo.

Nota 2: Estos son algunos términos que aparecen en el articulo y quizás no todo el mundo está familiarizado con los mismos, los explico de forma breve.

DI: O sala de DI. Donde se "revelan" las películas digitales y se aplican diferentes "color grading" (que no correcciones de color) para crear el look diseñado por el cinematógrafo.
Film: Cuando hablamos de film nos referimos a película fotográfica, es decir, no cine digital si no óptico.
Feature vs episodic: Feature es una película, episodic una serie de televisión o similar.
Optical lab: Laboratorio donde se revela película fotográfica, entre otras cosas.
Rehearsals: Ensayos, generalmente con actores.
Blocking: Planificación de una escena, a diferentes niveles. Acting, técnica, etc.
Location scouting: Búsqueda de localizaciones para el rodaje de una parte de la película.
Rigging: En este contexto nos referimos a los diferentes soportes para colocar cámaras de cine.
Dailies: El proceso de visionado del trabajo realizado el día anterior.
Principal photography: El proceso de produccion de una película, cuando la acción narrativa ocurre y es capturada en cámara.
Coverage: Aquello capturado en cámara mediante lenguaje cinematográfico.
Still: Fotografía.

Diseño del look

Filmmaking es una expresión artística colaborativa, en la que un grupo (muy amplio) de profesionales interpretan diferentes roles para conseguir un producto final, en forma de experiencia narrativa audiovisual. Los cinematógrafos, requieren de sensibilidad artística, sentido excepcional de la organización, habilidad para dominar tecnología compleja que constantemente evoluciona, y un talento especial para fomentar la comunicación y colaboración entre su equipo y equipos adyacentes.

La tarea inicial y más importante de un cinematógrafo, es ayudar a contar la historia, y diseñar un look o estilo visual, que refleje las intenciones narrativas del director o del productor/show runner en el caso de estar hablando de una serie de televisión. Es mandatorio realizar esta tarea teniendo en cuenta las limitaciones de presupuesto y tiempo. Otros colaboradores que generalmente se involucran en esta tarea creativa junto al cinematógrafo, pueden ser; el director, producer, el production designer, el art director y en ocasiones, el visual effects supervisor.
El cinematógrafo también ha de influir y guiar al equipo en la toma de decisiones técnicas requeridas por la producción, siendo parte vital a la hora de elegir cámaras, digital o film, equipos de iluminación, etc. Hay muchas opciones hoy en día, desde anamorphic 35 mm film hasta digital video, en función del presupuesto asignado para la producción y el look que se persigue.

Si el proyecto es un feature film (película), el cinematógrafo debe discutir los pros y contras de utilizar un laboratorio óptico versus digital intermediate (DI). Si se trata de un proyecto episódico para televisión, las discusiones serán alrededor de high definition, standard definition, etc. No hay manuales que respondan a este tipo de preguntas, cada proyecto es único y necesita ser estudiado de forma individual junto al director y productor. La tecnología está continuamente evolucionando y es fundamental que el cinematógrafo esté continuamente estudiando y testeando todas las opciones disponibles, incluyendo film, digital, lentes, dollies, cranes, motion control, todo tipo de iluminación, sistemas aéreos y acuáticos, blue screen y green screen, vfx facilities, etc.

Preproduction planning

El cinematógrafo es frecuentemente invitado a los rehearsals con actores y otros miembros del equipo, para trabajar en el blocking de las escenas y proporcionar ideas creativas con respecto al look de lo que acontece en las mismas. La mayoría de aspectos de la producción se planifican durante esta etapa, incluyendo el número de cámaras necesarias, como moverlas o el tipo de lentes a utilizar para cada plano. Los cinematógrafos también son consultados por el director y su equipo a la hora de realizar storyboards o peviz. También viajan junto a otros equipos de la producción durante la fase de location scouting, en busca de los lugares mas idóneos para rodar. Realizan recomendaciones al art director y al production designer sobre la construcción y decorado de los sets donde se rodarán las diferentes secuencias, para mantener el look diseñado para el proyecto. Junto al director y al assistant director, el cinematógrafo intentará agendar de la mejor forma posible los días y horas de rodaje en exteriores, para así poder aprovechar la iluminación natural de la forma más eficaz posible. También deberán tener muy en cuenta las previsiones climáticas de los lugares donde planean filmar. Han de consultar continuamente con el production designer para construir los sets facilitando el rigging y posicionamiento de luces y cámaras, esto incluye el uso de wild walls, techos falsos, o los colores de las paredes y muebles.

El cinematógrafo también se encarga de organizar a los equipos de cámara, eléctricos y grip, asegurándose de contratar a las personas indicadas para liderar cada uno de los equipos. Trabajan con el gaffer para planificar el posicionamiento y el rigging de las diferentes luces, incluyendo el suministro eléctrico y los paneles de control correspondientes. Todo lo relacionado con movimientos de cámara y soporte será también decidido junto al key grip durante esta fase. Con el production manager se tratará todo lo relacionado con alquiler de equipo, tanto cámaras, como luces o soportes e incluso material muy específico como carcasas submarinas, drones, helicópteros, etc.

También durante pre-producción, el cinematógrafo se encargará de establecer relaciones con los departamentos de vestuario, maquillaje y peluquería para asegurarse de que todos trabajan bajo las mismas direcciones artísticas, y generalmente se organizarán shooting tests con los actores. También se utilizan estos shooting tests para probar nuevas cámaras, emulsiones, LUTs, etc, al tiempo que empieza la colaboración con los laboratorios ópticos o salas de DI para buscar el mejor mecanismo para visualizar dailies.

Principal photography

El cinematógrafo es responsable de ejecutar la visión del director, capturando en cámara todo lo posible requerido por la narrativa y manteniendo el look establecido para la película, siempre en tiempo y en presupuesto. En la mayoría de películas, el día comienza con el cinematógrafo revisando dailies en el laboratorio o DI para asegurarse que lo capturado el día anterior cumple con los requisitos técnicos y artísticos. Posteriormente participan en los rehearsals con el director y los actores, sugiriendo modificaciones en la iluminación o coverage en caso de ser necesario. El cinematógrafo continuamente está en contacto con el assistant director y el production manager informando de cualquier tipo de imprevisto que pueda retrasar o alterar el rodaje. Adicionalmente es tarea del cinematógrafo aprobar el setup de iluminación ejecutado por el gaffer.

Las escenas generalmente se planifican con dobles, no con actores principales. El cinematógrafo trabaja con el director durante esta planificación por si fuera necesario algún cambio en la iluminación o el coverage, y lo planifica en consecuencia con los equipos de gaffer, grip e iluminación. También trabaja con el standby painter por si hubiese necesidad de algún retoque en el set, con el assistant director para organizar la acción secundaria, y el departamento de sonido para colocar sus micrófonos, cableado y equipo de la mejor forma posible. Si el director lo creyera oportuno, se haría un rehearsal final con los actores. Cuando las cámaras empiezan a rodar, además de asegurarse de que no existe ningún problema técnico, actúa como segundo director asistiendo al mismo en todo aquello que necesite. Si fuera necesario, el cinematógrafo podrá requerir la repetición de una toma porque hayan podido darse problemas técnicos o algo no haya sido capturado como estaba previsto. Si se planea una sesión de DI para dailies, el cinematógrafo suele realizar stills que manipula con su ordenador principal y posteriormente envía a DI como punto de partida o concept del look que se procura conseguir.

El cinematógrafo, el director y otras personas relevantes en la producción, visualizan dailies juntos para juzgar el look de la película y el avance de la misma. Al final de cada día el cinematógrafo discute el primer setup necesario para el día siguiente con el assistant director y quizás el director. También informa al script supervisor si hubiese alguna condición especial relacionada con cámaras o luces, se asegura de que los departamentos de cámara, grip e iluminación tienen toda la información necesaria, finalmente discuten con el production manager sobre la posibilidad de devolver equipo alquilado o la necesidad de alquilar material extraordinario. De esta forma, a la mañana siguiente todo estará preparado cuando el director y el cinematógrafo lleguen al set.

Postproduction

El rol del cinematógrafo se extiende también a labores de postproducción, asegurándose así de que el look establecido se mantiene durante este proceso tan lento y laborioso. La mayoría de películas se extienden mucho más en tiempo de postproducción de que producción. En el caso de ser necesario, el cinematógrafo se encargará de la fotografía adicional requerida a última hora durante este proceso, algo cada día más común, ya que muchos directores construyen la películas en los facilities de visual effects. También pueden actuar como consultores para ayudar a mezclar de forma efectiva el footage y los visual effects. En el caso de utilizar un laboratorio óptico, los cinematógrafos tienen la última palabra en cuanto a tiempo de revelado y la adición de matices o tonalidades a la emulsión, o en la sala de DI en el caso de cine digital.

Finalmente se encargan de aprobar la impresión de la cinta para cine junto al director y al productor. En el caso de ser necesario, también se encargará de supervisar los diferentes formatos de emisión, como DVD, televisión, etc. Todos estos pasos extraordinarios son necesarios para asegurarse de que los espectadores experimentan la película como el director y el cinematógrafo habían planeado

En otras ocasiones ya hemos hablado sobre diferentes puestos de trabajo relacionados con la industria del cine. En este post hablamos sobre posiciones o roles en set de rodaje. Y en este otro post hablamos sobre los trabajadores presentes en un estudio de efectos visuales.

Los efectos visuales no son más que una parte de la producción cinematográfica, por más que algunos se empeñen en llamarlo post-producción, yo no creo que eso sea acertado. Al separar producción de post-producción, cometemos errores graves, empezando por la planificación de los efectos visuales, su papel creativo dentro de la narrativa, o las diferentes versiones de un mismo trabajo, a veces contadas por varias decenas, entorpeciendo así las decisiones creativas relevantes para el proyecto. Aunque este es un tema que daría para otra conversación.

Basta con pasar un solo dia en un set de cine, para darte cuenta de que los efectos visuales son parte directa y vital de la producción cinematográfica, y como tal deberían considerarse. Por supuesto, cuando estudiamos efectos visuales, también deberíamos comenzar estudiando producción cinematográfica, antes que preocuparnos de que software queremos aprender, o que motor de render es más propicio para nuestra pieza audiovisual.

En esta ocasión vamos a hablar de lighting, iluminación. Pero desde lo que llamamos principal photography, es decir, los responsables de iluminación que trabajan en los sets de cine y se ocupan de la parte creativa y técnica, en todo lo relacionado a capturar imágenes en cámara de la forma más efectiva siguiendo los criterios establecidos por el director.

Nosotros, como artistas de efectos visuales, deberíamos conocer como se trabaja en un set para ser capaces de emular su trabajo de forma virtual, y además, poder complementarlo con nuestros efectos. Afortunadamente el software 3D y los motores de render han avanzado tanto que hoy en día ya podemos trabajar de la misma forma que lo hace un cinematógrafo o un cameraman en un set de rodaje. Ya no necesitamos colocar 10 spot lights para crear una luz de relleno, basta con imitar a un director de fotografía y colocar una plancha de plástico blanco de 2 metros al lado de nuestro personaje digital. Es muy importante que todos aquellos que aspiran a convertirse en iluminadores digitales conozcan quienes son los responsables de la iluminación de una película, cómo trabajan, qué equipo utilizan, etc.

En este post, vamos a hablar de algunos de esos profesionale y cuales son sus tareas. En futuros posts podemos seguir expandiendo todo lo relacionado con iluminación, cámaras y profesionales de set de rodaje responsables por el look de una película. Y recuerda, gran parte de tu trabajo como iluminador virtual consiste en replicar lo que estos profesionales realizan de forma física, si tienes oportunidad de asistir a un set de rodaje, aprende de esta gente.

Los términos que voy a emplear están en inglés. Por varias razones, es el idioma que impera en el lenguaje cinematográfico, independientemente de que la película se ruede en un país de habla inglesa o no. Además que los production crews se componen de gente de todo el mundo, donde el inglés es el idioma común. También en la mayoría de escuelas de cine internacional, el inglés es el idioma predominante. Y finalmente, porque no creo que yo conozca los términos en español. También hay que tener en cuenta que dependiendo de si rodamos en Estados Unidos, Inglaterra o Australia (por mencionar algunos) la terminología puede variar. Intentaré utilizar los términos que considero más internacionales.

Lighting crew

Electric, grip y camera, son los departamentos que dependen de forma directa del cinematógrafo (o director de fotografía). El gaffer, es la mano derecha del cinematógrafo, y el jefe del departamento electric, encargado del equipo de iluminación (lighting crew). El equipo del gaffer consiste en el assistant chief lighting technician, concido comunmente como best boy electric. Detrás del best boy están los electricians, también llamados lamp operators o third electricians.

Cinematógrafo

O director de fotografía o simplemente DP. Es la mano derecha del director, responsable junto al mismo de tomar las decisiones creativas y técnicas más complejas. Tiene que crear visualmente la idea concebida por el director y requerida por la narrativa, en cada escena de la película, para intentar evocar el tiempo adecuado, el lugar oportuno, la atmósfera que rodea la narrativa en resumen. Para ello deberá elegir la cámara y lente adecuadas para el proyecto, la secuencia, la escena. Es el responsable directo de elegir el tipo de plano, encuadre y diseño de iluminación, etc. Tiene la difícil tarea de buscar el balance entre iluminación realista e iluminación dramática dictada por el guión.

El cinematógrafo generalmente es consultado por otros departamentos, como los diseñadores de producción o vestuario, también responsables directos del look de una película.

En ocasiones, algunos actores demandan un trato de favor con respecto al resto de la producción por parte del cinematógrafo, por ejemplo para preservar su imagen o carrera. Mantener la continuidad entre planos, es otra tarea añadida que comparte el DP y el script supervisor. Generalmente los cinematógrafos realizan todo tipo de tests antes de empezar la fotografía principal, momentos que aprovechan para testear cámaras, lentes, luces, geles, filtros, film stocks, etc.

El cinematógrafo es según muchos, la persona más respetada en un set de rodaje, incluso por encima del propio director. Tienen también mucha responsabilidad no sólo creativa si no también financiera. Productores y directores dependen de los DP para capturar visualmente el proyecto, dentro de un presupuesto establecido y en un tiempo de producción concreto. Es por ello que el director de fotografía y su equipo siempre están en continuo conflicto con los productores para poder cubrir las necesidades visuales del proyecto y al mismo tiempo poder cumplir sus propias aspiraciones como fotógrafos. Es por ello que la capacidad de crear setups de iluminación efectivos de forma rápida y eficiente, impacta directamente en la habilidad de un cinematógrafo de producir buena fotografía cumpliendo la agenda establecida.

Gaffer

O chief lighting technician o CLT. Trabaja directamente con el DP para implementar el plan de lighting y ayudar a conseguir el aspecto fotográfico concebido para la película. El DP, gaffer y key grip suelen asistir a todas las reuniones de producción y también al scouting de localizaciones donde se pretende filmar la película. Juntos planifican el trabajo del DP para cada una de las escenas de la película y elaboran listados de equipo y procedimientos necesarios para desarrollar el trabajo.

En el set, el gaffer es el responsable de la ejecución del plan de lighting y la organización y operatividad del equipo de iluminación. El DP y el gaffer discuten en conjunto el setup de iluminación para cada plano. Cuando se trata de iluminación de actores, el DP suele encomendar al gaffer la colocación de cada uno de los elementos que intervienen en el setup. En ocasiones, cuando se trata de iluminación de fondos, el DP suele dejar al gaffer jugar con los detalles, una vez la iluminación general ha sido concebida por el DP.
Generalmente el DP explica al gaffer su motivación detrás del lighting, la atmósfera, la intención luminosa, el f-stop al cual se va a rodar, etc. Y el gaffer (y su equipo) es quien se encarga de ejecutar dicha visión en términos específicos, de colocación de luces y otros elementos, etc. Cuando el gaffer ha ejecutado la iluminación, el DP suele dar los últimos retoques.

El gaffer debe tener unos conocimientos profundos en iluminación, un visión artística muy cuidada y también, unos conocimientos técnicos avanzados en material de iluminación. El gaffer, en definitiva es un segundo par de ojos que se suman a los del cinematógrafo, siempre alerta en busca de problemas, iluminación inadecuada, sobreexposición, sombras incorrectas, etc. El gaffer tiene un ojo crítico para buscar el balance entre luz y sombra, el modelado del rostro humano, la separación de fondo y plano de acción, etc. Siempre encontrarás al gaffer con un fotómetro cerca de la cámara y junto al DP, para consultar problemas de fill ratio, balance de exposición, etc.

El gaffer nunca abandona el lugar del set donde se filma la acción. Delega en su equipo para hacer cualquier cambio directo en la iluminación, y éstos, deben adelantarse a los acontecimientos para ayudar al gaffer y al DP en su lucha particular contra el tiempo de producción.

Best boy electric

El best boy electric es el gaffer’s chief assistant, o el asistente jefe del gaffer. Es el encargado del material y el equipo humano del que se compone el electrical department (equipo eléctrico). Tiene un papel fundamental en el desarrollo de las actividades del lighting crew. Entre sus responsabilidades directas, destacan el ir a las localizaciones junto al gaffer durante el proceso de scouting y calcular el equipo que será necesario para el rodaje. También supervisa el load-in o la carga y descarga de camiones y furgonetas de todo el equipo que será utilizado. Organiza el equipo y accesorios, realiza inventario del mismo y cuida de que el equipo que se estropea sea reemplazado lo antes posible. También se encarga del load-out, o de la recogida y devolución de todo el equipo a las diferentes empresas de alquiler. Además de ocuparse del equipo utilizado también se encarga de contratar al equipo humano que forma parte del departamento eléctrico. También supervisa el cableado y suministro eléctrico en cada localización. Cuando un electrician tiene cualquier tipo de duda o problema, se dirige al best boy, nunca al cinematógrafo o gaffer. Es el best boy quien lidiará con el problema o recurrirá al gaffer en caso de ser necesario. Diplomacia es una virtud muy importante en el best boy, ya que deberá lidiar con muchos departamentos y pedir muchos favores a gente relevante en la producción. Como VFX artists, el best boy será tu mejor amigo en set.

Electricians

O eléctricos. También conocidos como juicers o sparks. Su nombre oficial suele ser set lighting technicians o lamp operators. Su tarea principal es colocar las fuentes lumínicas bajo las órdenes del gaffer. En cada localización los eléctricos se encargan de descargar y cargar los camiones y furgonetas con todo el equipo de iluminación, tiran el cableado y toda la instalación eléctrica necesaria. Una vez en el set, son responsable de colocar las luces y orientarlas según el diseño de iluminación creado por el DP y el gaffer. Manipulan la intensidad, dirección, temperatura, color, calidad de luz, etc. También comparten tareas relacionadas con la seguridad del equipo que utilizan, aunque esta responsabilidad suele recaer mas en el grip department.

Un lamp operator con experiencia, debería ser capaz de manipular cualquier tipo de luz y accesorio, de forma rápida y efectiva. Estar familiarizado con el lenguaje cinematográfico y tener buena comunicación con los demás eléctricos y el gaffer. Con signos visuales o pocas palabras debería de comprender cuales son los cambios necesarios en los setups. Siempre pendiente de la actividad del lighting crew y el comportamiento de la luz.
El equipo de eléctricos también podría ser requerido para proporcionar energía a otros departamentos, como el departamento de cámara, sonido, transporte, etc, aunque suele haber otro tipo de eléctricos certificados para proporcionar energía global al set. Los eléctricos, generalmente no están cualificados como electricistas comunes, y por ello no pueden por ejemplo, proporcionar energía a  un edificio o firmar papeleo o certificados, su trabajo es iluminar en cine.

Rigging crew

El rigging crew trabaja con anterioridad al main unit, instalando el cableado, la distribución eléctrica, colocando focos, y cualquier tarea que ahorre tiempo posteriormente, para que el main unit pueda centrarse en su trabajo sin distracciones. Esta tarea puede ser incluso de varias semanas para preparar un set, o simplemente de medio dia para dejar listo un plató.

El rigging crew consiste en rigging gaffer, rigging best boy y rigging electricians. Tener un set bien riggeado significa ahorrar mucho tiempo en los dias del shoot, la iluminación será mejor, los electricians podrán trabajar de forma más efectiva, y finalmente el director tendrá más tiempo para rodar. Sin duda, el rigging crew es una parte del equipo de lighting fundamental.

Fixture guy

En una producción donde haya muchas luces fijas y muchos puntos eléctricos para ser cableados, es muy importante tener fixture guy, también conocidos como shop electrician, construction electric o house electrician. Son responsable por cablear todas las luces fijas y enchufes en el set. Generalmente conocen todos los trucos habidos y por haber para iluminar de forma práctica.

Generator operator

Es el encargado a tiempo completo de la operación y mantenimiento de los generadores. Generalmente son eléctricos titulados, y suelen compartir la tarea de mantenimiento de generadores con la de conductores de las furgonetas donde estos se transportan.

Grip department

Los profesionales que manejan el equipo que no es eléctrico. Telas, difusores, placas reflectantes, dollies, gruas, tripods, bolsas de arena, etc. Cada vez que un eléctrico trabaja con una luz, una persona del grip department debería estar junto a él o ella con el soporte necesario para dicha luz.

El jefe del departamento grip es el key grip,  supervisa a los componentes del grip department de la misma forma que el gaffer supervisa a los electricians. El best boy grip coordina al equipo de grips de la misma forma que el best boy electric coordina a los electricians. El dolly grip se encarga de cualquier plataforma móvil para cámaras, como dollies y grúas.

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